巴赫的6首無伴奏大提琴是每一位大提琴家渴望攀登與征服的高峰，均勻、平衡、組織、優雅、穩定，一把樂器，一個樂手，一個聲部，彷彿將上帝造物的完美結構都揉合在一起，是樂曲中的黃金比例。大提琴演奏家馬友友於2018年第3次錄製巴赫的無伴奏大提琴時提到，即便這是四百多年前的音樂，這音樂之中有某種東西會讓世界圓滿……巴赫就像莎士比亞，傾注他所知的所有人性本質，悲劇、喜劇、愉悅、悲傷，並將他們呈現在我們面前。這豐富卻又純淨的旋律，時常被影視作品使用，廣為大眾所知。而這套曲子所能承載的能量豐沛，可接受與包容的詮釋也多變，一直以來多有各領域的創作者改編入舞︰冰上芭蕾、日本傳統歌舞伎、以及臺灣觀眾熟知的林懷民《水月》與《花語》等。
在樂器仍是大提琴的前提下，《水月》與《花語》於音樂的選擇雖是不同的演奏家、不同的段落（巴赫的無伴奏大提琴共有6組），卻已然能呈現出2種獨特的質地：水月的流動靜謐與花語的躍動繽紛。這次雲門舞集藝術總監鄭宗龍雖然也是要挑戰同一座宏偉高峰，卻做了一個不一般的選擇：清水靖晃的4把薩克斯風版本。保有原曲的核心旋律，多了管樂吹奏的吐納與節奏，低音聲部聽來甚至還有蹲屈預備向上的彈性與重量感，讓原本充滿神性與聖光的無伴奏大提琴，有了人性更真實的呼吸。再加上在不同場域（如：礦坑跟宮殿）錄音的質地，正好呼應新作《霞》裡所試圖傳達的，人的各種內心狀態於空間中碰撞與發散的概念。
《霞》的舞蹈構作陳品秀用「捏陶」來形容這段創作的歷程：「過往的舞作可能會有暗場與斷裂，但這次花了很大的力氣做串接。一開始是分別做了ABCDE，但現在要串起來，可能A串B覺得不錯，接著是很想要的C，但B串C就怪怪的，這時候就要回去重看並調整A串B，舞作的工作過程一直是這樣……」更直白點形容，「就跟炒菜的鹽巴有時多一點點似乎就對了。」舞者的位置要擺在哪裡？聲音該從何處出來？舞者吃進去的是否就是編舞家所丟出來的？作為時刻陪伴《霞》的首位觀眾，陳品秀直言，「想要做什麼」與「為什麼這麼做」是他與鄭宗龍最日常的對話，甚至要從編舞家的回答去判斷他所講的內容是不是等同於他所想的，偶爾還需要旁敲側擊，像是心理諮商般地探問深掘創作的想法。
感覺對了，並不代表音樂跟舞蹈從今以後便能手牽手過著幸福快樂的日子，兩者間的磨合與試煉才正要開始：要互相吸引纏繞，還是相斥分開？要往同一個方向前進、還是漸行漸遠卻仍為對方映照？時間的分析理解（音樂的10秒有著固定的速度，舞蹈的10秒可能細切得或急或緩）、身體運用的核心差異（舞蹈家是用全身肌肉與地心引力工作，音樂家則有個不動的核心去穩定演奏），這種種根本上的分歧，對沒有一個具體終點的藝術創作來說，有賴藝術家不停的探索，釐清創作想望，好決定要出多少力才能到達剛剛好的頂點。
這感覺是你想要的嗎？如果你想要的話可能要往哪個地方再多一些、再微調一點。」編舞家跟舞蹈構作像是在跳探戈，音樂與舞蹈更是彼此進退互補，兩者間的對話沒有絕對的是非對錯，只有相對的調整與比較，需要誠實的面對對方，雖然偶爾會咬到嘴唇踩到腳，偶爾會擔心藝術家脫韁到另一片不認得的天空，但有時就讓藝術家多飛一會兒，相信他想做的事情。這很不容易，卻也是舞蹈創作迷人之處。
寫在臺中歌劇院演出前
鄭宗龍以雲門舞者生命經驗轉化為《霞》的創作線索，在日本爵士音樂家清水靖晃巴赫無伴奏大提琴組曲的旋律中，舞者呈現出猶如日常生活情節的片段，4把薩克斯風演繹出不同的音高與和絃，讓觀眾聽到彷彿心跳的聲音。《霞》舞動的是屬於每一個人的故事，作品藉由身體、音樂、影像與燈光的對話，讓舞者內心真實呈現，觀眾也彷彿一同經歷這場特別的心靈饗宴。
演出資訊
2022 NTT-TIFA 雲門舞集 鄭宗龍《霞》
演出時間：4月30日（六）14:30、5月1日（日）14:30
演出地點：臺中國家歌劇院 大劇院
節目資訊 ：https://npacntt.tw/n03T7rb7
